Die besten Filme des Jahres 2016 laut IndieWire-Kritiker Eric Kohn
Im Uhrzeigersinn von links: 'Paterson', 'The Academy of Muses', 'Moonlight', 'Swiss Army Man'
Es wiederholt sich jedes Jahr im Dezember: Wer glaubt, dass dies ein schlechtes Jahr für Filme war, hat einfach nicht genug gesehen. In Zeiten von Binge-Viewing, einem Übergewicht an Premium-Kabelshows, die man gesehen haben muss, und, verdammt noch mal, sogar Smartphone-Apps, die den meisten Errungenschaften von Spielfilmen mehr Aufmerksamkeit schenken, wird die wahre Bandbreite des Qualitätskinos oft durch den Lärm eines Alltags verdeckt Medienlandschaft. Um den Stand moderner Filme wirklich einzuschätzen, muss man über das Offensichtliche hinausblicken. Sicher, es war ein schwaches Jahr für Filme, die sich hauptsächlich durch Starpower und beträchtliche Marketingbudgets auszeichnen, aber diese Optionen machen nur einen kleinen Bruchteil des Marktes aus.
Der Filmfestival-Zirkel bietet eine ideale Alternative zu herkömmlichen Kanälen, um Filme zu entdecken, über die man das ganze Jahr über sprechen kann. Und wenn sie das Glück haben, im Vertrieb zu landen, können sie auf Listen wie dieser das Jahresende feiern. In diesem Jahr ist jeder einzelne Finalist meiner Liste der besten des Jahres bei einem großen Festival aufgetaucht und hat in den meisten Fällen später den Weg ins Theater gefunden. Keiner von ihnen war eine sichere kommerzielle Wette. Ihre kumulativen Zahlen an den Abendkassen könnten ein trostloses Bild der wirtschaftlichen Tragfähigkeit dieser Kunstform zeichnen, aber dieses Bild ist nur ein kleines Stück eines viel größeren Puzzles. Filme, die Konventionen in Frage stellen, die Leute abschrecken und sie über das, was sie gerade erlebt haben, verunsichern, sind oft diejenigen, die am meisten gefeiert werden müssen.
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Meine Liste enthält eine Reihe von Filmen, die nicht für alle geeignet sind, die heftige Debatten hervorrufen, und die ich für die besten des Jahres halte. Konsens ist langweilig. Wenn hier etwas Uneinigkeit hervorruft, stärkt es nur die Vitalität dieser großen Werke.
Wenn sie von einem Thema durchzogen werden, ist es die Angst der Neuzeit. Unsere Gesellschaft wird zunehmend von unerwarteten Entwicklungen erschüttert - wie Donald Trump, Brexit und die Chicago Cubs beweisen - und viele der besten Filme dieses Jahres sprechen für das unangenehme Gefühl einer mysteriösen Welt und die Überraschungen, die sie uns bereiten. Diese Geschichten handeln von Charakteren, die in unruhigen Umgebungen treiben, in denen sich die Grenzen zwischen Realität und Fiktion auflösen, was zu unsicheren Suchen nach einer schwer fassbaren Wahrheit führt. Nicht jeder findet es.
Zweitplatzierter zum Jahresende 2016 in den Kategorien „Die Augen meiner Mutter“, „Nuts!“, „Manchester By the Sea“ und „The Lobster“
Die folgende Liste ist geordnet. Es sind einige Vorsichtsmaßnahmen erforderlich, um einige Zweitplatzierte anzuerkennen. Zunächst einmal berücksichtigt mein kuratorischer Ansatz Faktoren wie Ausgewogenheit und Umfang. Es gibt eine Menge erstklassiger Leistungen, die auf meiner Liste einen hohen Stellenwert einnehmen würden, wenn es keine anderen, ähnlichen Titel gäbe, die ich nur einen Hauch mehr schätze 'Swiss Army Man' schlägt 'The Lobster' in der skurrilen, allegorischen Fun-Abteilung.
Obwohl ich die Liste über die üblichen Top 10 hinaus auf 16 Titel erweitert habe, gibt es viele andere, die den Schnitt nicht ganz geschafft haben. Dazu gehören die entzückende Parodie der Coen-Brüder auf die Hollywood-Traumfabrik „Hail, Caesar!“ Und Penny Lanes erfinderische Dokumentation eines berüchtigten Schlangenölhändlers in „Nuts!“, Die beide auf Ideen verweisen, die in dieser Liste zum Ausdruck kommen. 'Manchester By the Sea' ist ein von Experten verfasster Blick auf das Leben mit Trauer, und 'The Lobster' (der Anfang des Jahres auf einer Version dieser Liste aufgetaucht ist) ist ein herausragendes Beispiel für die Erforschung der Katharsis der Flucht aus einer unterdrückerischen Gesellschaft. Sehe sie alle.
Diese Liste spiegelt vor allem ein äußerst komplexes Jahr kultureller Erfahrungen wider, in dem die Gesellschaft auf den Kopf gestellt und die Filme gleichermaßen erwartet wurden. Sie sind ein Spiegel der Welt, in der wir jetzt leben.
Listen sind von Natur aus einschränkend, so dass Sie erwarten können, viele dieser Teile zu sehen, wenn wir die Liebe verbreiten. Andere Stimmen aus dem IndieWire-Team werden im Laufe der Woche einfließen, und dieser Artikel wird mit Links aktualisiert. Im Moment ist dies die abschließende Bewertung dieses Kritikers zu den besten Filmen, die 2016 veröffentlicht wurden. Argumente sind willkommen, aber Leser, die schnell ein Urteil fällen, werden gebeten, zuerst alle diese Titel aufzuspüren.
16. 'Bestimmte Frauen'
'Bestimmte Frauen'
IFC-Filme
Kelly Reichardt zeigt mit dieser Adaption von Maile Meloy-Kurzgeschichten weiterhin, wie gut sie die amerikanische Isolation beherrscht. Jedes der drei Kapitel des Films spricht für ein Gefühl der Verwirrung der Arbeiter in Montana. In einem Jahr, in dem die Frustrationen der Arbeiterklasse ein Fieber erreichten, könnte es nicht aktueller sein. Reichardts Anthologie-Ansatz steckt voller zweideutiger Konfrontationen: In der Notlage einer gelangweilten Anwältin (Kristen Stewart), die Unterricht in der Erwachsenenbildung gibt, und der einsamen Ranch-Hand (Lily Gladstone), die sich in sie verliebt, baut Reichardt ihre beste Zweihand, seit „Old Joy, ”Während der Versuch eines verheirateten Paares (Michelle Williams und James Le Gros), alten Sandstein von einem älteren Mann zu erwerben, auf subtile Weise Konflikte zwischen den Generationen anspricht.
Die wahre Stärke des Films liegt jedoch in den Buchstützen, in denen eine zuversichtliche Rechtsberaterin (Laura Dern von ihrer besten Seite) sich mit einem verärgerten Arbeiter befasst, der auf dem Postweg ist, nachdem sein Unternehmen ihn betrogen hat, weil er sich mit einer Verletzung am Arbeitsplatz zufrieden gegeben hat. Die wachsende Wut eines wütenden älteren weißen Mannes und die Kämpfe von Derns Charakter, um ihn zu trösten, geben 'bestimmten Frauen' einen erstaunlichen Einblick in die Teilung der amerikanischen Gesellschaft.
15. 'Die Hexe'
Anya Taylor-Joy in „Die Hexe“
In Rechnung gestellt als “; New England Folktale ”; Drehbuchautor und Regisseur Robert Eggers ’; Das gelungene Debüt in Spielfilmlänge schafft eine knifflige Balance: Einerseits ein elegantes Stück über die Auflösung einer New England-Familie um 1630 und andererseits ein wirklich beunruhigender Horrorfilm über den Besitz. Fast ausschließlich in einer tristen Kabine und in den ominösen Wäldern, die den Film umgeben, mangelt es dem minimalistischen Ansatz des Films nicht an Authentizität, da sich Eggers auf Gerichtsakten und andere Dokumente stützt, um den Dialog zusammen mit Kostümen aus der fraglichen Zeit zu skripten. Der Effekt ist eine eindringliche Erzählung von jenseitigen Kräften, die aufgrund des sie umgebenden Realismus besonders beängstigend sind.
Gepaart mit Nicolas Pesces erstaunlichem Debüt 'The Eyes of My Mother' ist es genau das, was das Horror-Genre gerade braucht - ein Genre-Ruck frischen Blutes und originelles Geschichtenerzählen.
14. “Toni Erdmann”
“Toni Erdmann”
Auf dem Papier ist die Autorin und Regisseurin Maren Ade 'Toni Erdmann' hat eine einfache Prämisse: Nach dem Tod seines Hundes taucht der einsame Alleinerziehende Winfried (Peter Simonischek) in der Großstadt auf, um die Zuneigung seiner entfremdeten erwachsenen Tochter Ines (eine verblüffende Sandra Hüller) zurückzugewinnen Ich kann ihr durch die Stadt folgen, ohne dass ihre Freunde und Kollegen es herausfinden.
Ausgedrückt auf zwei Stunden und 42 Minuten, hat der deutsche Filmemacher jedoch die lang erwartete Fortsetzung von 2009 erwartet. wird etwas viel subtileres und einfühlsameres, als seine rudimentäre Anordnung vermuten lässt. Ade ’; s epischer Zwei-Hander über Familiendynamik hat sich in seinem Ehrgeiz ausgezahlt. 'Toni Erdmann' ist ein berührender Bericht über die Entfremdung zwischen Vater und Tochter und eine listige Unternehmenssatire. Er ringt mit großen Problemen durch eine überraschend intime Linse in einer unsicheren Balance, die das instabile Leben seiner Charaktere widerspiegelt.
Anfangs war ich nicht ganz davon überzeugt, dass es den Ernst rechtfertigte, aber „Toni Erdmann“ ist mir in den Monaten seit meinem ersten Besuch in Cannes treu geblieben, und seine vielschichtige Erzählung enthüllt nach und nach seine Meisterleistungen im Nachhinein. Das ist das Zeichen einer echten filmischen Leistung.
13. 'Onkel Kent 2'
'Onkel Kent 2'
Fabrik 25
'Cool, Kino ist tot', lautet der Slogan für 'Onkel Kent 2' und zitiert eine Tweet-Reaktion auf die Existenz des Films. Aber der brillante Coup von Todd Rohals Meta-Romp durch die Gedanken von 'Onkel Kent' -Star und 'Adventure Time' -Animator Kent Osborne ist, dass die bizarren Wendungen des Films zu der filmisch inspiriertesten Fortsetzung seit Ewigkeiten führen.
In dem schmutzigen Eröffnungskapitel unter der Regie von Joe Swanberg versucht Osborne, eine Fortsetzung von Swanbergs wenig gesehenem Porträt des doofen Junggesellen zu schreiben. Wenn Swanberg Osborne anweist, die Fortsetzung selbst zu machen, wird die daraus resultierende verrückte Odyssee genau das. Rohal, selbst ein unterschätzter surrealistischer Filmemacher („The Guatemalan Handshake“), liefert eine brillante Parodie narzisstischer amerikanischer Indie-Tropen, die im Laufe der Zeit immer verrückter wird. Wenn Charlie Kaufman das Konzept hinter „mumblecore“ ins Visier nimmt, könnte das Ergebnis so aussehen. Aber wenn 'Onkel Kent 2' eine Lerche ist, ist es eine vollkommen befriedigende Lerche, die ein scharfsinniges Indiz für selbstverherrlichende Kreativität liefert, indem sie sich in ihre Extreme eingräbt und sie in Stücke brennt.
12. 'The Fits'
'Die Passungen'
Oszilloskop
Anna Rose Holmers erstes Feature ist ein surreales Porträt einer unwahrscheinlichen jungen Heldin. Die elfjährige Toni (Breakout-Star Royalty Hightower) strebt an, Tänzerin zu werden, während sie in ihrem Cincinnati-Jugendzentrum das Boxtraining absolviert. Als eine konvulsive Krankheit beginnt, einige ihrer Mittänzer zu beeinflussen, 'The Fits' verwandelt sich allmählich in einen 'Twin Peaks' -ähnlichen Blick auf die Entfremdung der Gemeinschaft, aber es ist auch eine intelligente Darstellung einer Inselgemeinschaft, die durch die Linse des Kindheitswunders gesehen wird.
Die erstaunlich subtilen Performances von Hightower passen perfekt zum rhythmischen Porträt des Films über die Mysterien und die Entfremdung der Jugend. Holmers Fähigkeit, in der Perspektive ihrer jungen Protagonistin zu bleiben, verleiht „The Fits“ eine entwaffnende Einfachheit, die beinahe unglaublich ergreifend ist, wenn sie sich zu einem surrealen Finale entwickelt.
11. 'Die Akademie der Musen'
'Die Akademie der Musen'
Das Porträt des katalanischen Filmemachers Jose Luis Guerin über ein romantisches Drama, das von einem Gelehrten inszeniert wird, ist eines der unorthodoxesten Publikumsmagneten aller Zeiten. Obwohl Guerin seit 2007 keinen Film mehr in den USA veröffentlicht hat, hat er auch weiterhin erfinderische filmische Experimente entwickelt, die dokumentarische und fiktive Komponenten mit unvorhersehbaren Ergebnissen verbinden. 'Die Akademie der Musen' ist der Inbegriff dieses einzigartigen Ansatzes; es ist auch lustig und rührend in gleichem Maße.
Guerin konzentriert sich zunächst auf die spaltenden Vorlesungen eines Literaturverarbeiters an der Universität von Barcelona, der vorschlägt, dass Frauen sich an die klassische Definition der „Muse“ halten und ihre verführerischen Kräfte einsetzen sollten, um Gedichte zu inspirieren. Während sich der heftige Diskurs auf seine eigenen Begriffe konzentriert, wird dieser Ausgangspunkt zum ersten Akt eines sensationellen Dramas, in dem sich die Schüler-Lehrer-Beziehung zu einem ethisch fragwürdigen Terrain entwickelt: Der Professor schläft nicht nur mit seinen Schülern, sondern versucht auch, die Entscheidung zu rationalisieren wenn er von seiner sachlichen Frau verprügelt wird.
Erschreckend, tiefgründig, lustig und traurig ist „Die Akademie der Musen“ eine erstklassige Illustration tiefer Gedanken, die in eine aufregende Erzählung übersetzt werden. Trotz des schweren Konzepts ist es wahrscheinlich am nächsten an einer Crossover-Arbeit des immer innovativen Guerin.
10. 'Neruda'
'Neruda'
Der Obstgarten und die Teilnehmermedien
Das Porträt des chilenischen Regisseurs Pablo Larraín über den legendären Dichter, Senator und Experten Pablo Neruda in seinem Land ist eine faszinierende Darstellung der nationalen Identität und der literarischen Intelligenz. Luis Gnecco liefert eine lebendige (und hochpräzise) Darbietung als gleichnamiges Herzstück von “; Neruda, ”; Dies folgt der wegweisenden Figur seiner unkonventionellen Parteitage durch die Flucht vor den chilenischen Behörden, die über seine kommunistischen Neigungen verärgert sind.
Aber der wahre Star von “; Neruda ”; ist ein gerissener Ermittler der Polizei, Oscar Bustamante Peluchonneau (Gael Garcia Bernal, eine ausgezeichnete Comic-Folie), der damit beauftragt ist, den Dichter zu verfolgen. Während er weiterhin Neruda nachjagt, stellt Peluchonneau fest, dass er in Nerudas eigenem Mythos gefangen ist. “; Ich bin kein Nebencharakter, ”; er sagt, aber letztendlich kommt seine Bestätigung von Neruda, der erkennt, dass ihre Geschichte zusammen zählt. Zusammen mit Larrains 'Jackie', der nur eine Woche vor 'Neruda' in den USA veröffentlicht wurde, bestätigt der Film die Fähigkeit des genialen Filmemachers, die Geschichte auf auffallend originelle Weise zu hinterfragen. Larraín begrüßt einen der größten Geschichtenerzähler seines Landes, indem er seine Talente zusammenbringt.
9. 'Amerikanischer Honig'
'Amerikanischer Honig'
Auch wenn Shia LaBeouf sein Strapse-and-Slacks-Outfit nicht als 'Donald Trump-ish' bezeichnete, würde Andrea Arnolds expressionistischer Roadtrip mit einer aktuellen Vision mitschwingen. Von der „Roten Straße“ bis zum „Aquarium“ hat Arnold immer wieder überzeugende Porträts frustrierter junger Frauen geliefert, doch ihr Ehrgeiz erreicht seinen Höhepunkt mit dieser weitläufigen Darstellung eines jugendlichen Ausreißers (Sasha Lane, eine der besten Entdeckungen des Jahres), der sich anschließt Eine Gruppe hedonistischer junger Zeitschriftenverkäufer, angeführt von dem listigen LaBeouf.
Einige Kritiker verspotteten das mäandrierende Tempo und den poplastigen Soundtrack des Films als eher Haltung als echte narrative Finesse, doch das ignoriert die schiere Kunstfertigkeit seines Designs. Arnold wirft einen klugen Blick auf entfremdete Jugendliche, die den Mittleren Westen plündern, ohne ein genaues Ziel zu verfolgen, abgesehen davon, dass sie ihren rücksichtslosen Lebensstil aufrecht erhalten. Es ist eine wütende Generationenaussage und ein verzweifelter Hilferuf.
8. 'Schweizer Armee Mann'
'Schweizer Armee Mann'
A24
'Ich dachte, ich wäre gerettet', sagt Paul Dano zu Daniel Radcliffes Leiche, 'aber du bist nur ein toter Kerl, und ich bin ganz allein.' ”Ist Daniels 'wunderbar seltsame Mischung aus Slapstick und Musikalität, die reich an Ideen ist: die Insignien politischer Korrektheit, die isolierenden Effekte von geringem Selbstwertgefühl, die homoerotische Natur männlicher Bindung und vieles mehr.
Gefangen auf einer einsamen Insel, als er auf einen toten Körper stößt, der ihm Hoffnung macht, findet Danos Charakter heraus, wie er den Körper ursprünglich nutzt, wenn er langsam zum Leben erweckt wird. Radcliffe liefert eine verwegene Performance, die sowohl beunruhigend als auch absurd ist, ähnlich wie die meisten in diesem total packenden Film, der sich manchmal so anfühlt, als ob er aus einer anderen Dimension von Daniels eigener Produktion stamme. Dieses imaginäre Land ist mehr Besuche wert. Wir hoffen, dass sie weiter so weitermachen.
7. 'Paterson'
'Paterson'
Kleiner Austausch und lange Pausen sind Markenzeichen von Jim Jarmusch-Filmen, aber nur wenige haben die tiefe Mischung aus Wärme und Melancholie, die in „Paterson“ zu finden ist. Getragen von einem angemessen zurückhaltenden Adam Driver und Jarmuschs Vorliebe für spontane Äußerungen, „Paterson“. ist seine spannendste Charakter-Studie seit 'Broken Flowers', aber sie hat eine ruhige Raffinesse, die sie auf eine andere Ebene hebt. Die leichte Geschichte eines Busfahrers, der als Dichter im Mondschein leuchtet, vergrößert die täglichen Rhythmen seiner geschlossenen Welt und verwandelt sie in die Kunst, die er erschaffen möchte. Abwechselnd charmant, melancholisch und weise perfektioniert 'Paterson' den Archetypus des ziellosen Hipsters, der durch Jarmuschs Oeuvre streift, indem er seine seelensuchenden Wege bestätigt.
6. 'Cameraperson'
'Kameramann'
Kirsten Johnson eröffnet 'Cameraperson' mit einer Notiz, in der das Projekt als 'meine Erinnerung' beschrieben wird, aber es kann mit Sicherheit behauptet werden, dass es noch nie eine solche Erinnerung gegeben hat. „Cameraperson“ kombiniert Aufnahmen aus 25 Jahren Erfahrung als Dokumentarfilmerin und bietet einen freien Überblick über die Menschen und Orte, die Johnson in seiner abwechslungsreichen Karriere festgehalten hat. Darüber hinaus konfrontieren die zwei Dutzend Projekte, die hier neben Originalaufnahmen gezeigt werden, den Entstehungsprozess. Dies ist eine collagenartige Anleitung für ein Leben im Schauen.
Die Credits von Johnson reichen von riskanten Exposés wie 'Pray the Devil Back to Hell' und 'Citizenfour' bis zu leichteren Kost wie im New Yorker Cartoon-Portrait 'Very Semi Serious' des letzten Jahres, die alle in dieser dichten globalen Umfrage auftauchen. Aber das ungleiche Thema erstarrt um ihre implizite Präsenz in jeder Szene. Die sowjetische Filmtheoretikerin Dziga Vertov würde den Ansatz von Johnson mit Sicherheit gutheißen - ein alternativer Titel könnte 'Frau mit einer Filmkamera' sein -, da er die Idee der Kamera in ein Gefäß zum Studieren der Welt verwandelt. Obwohl der Großteil des Materials in „Cameraperson“ alt ist, hat Johnson zweifellos etwas Erfrischendes und Neues geschaffen.
5. 'Kreative Kontrolle'
'Kreative Kontrolle'
Mit seiner gestochen scharfen Schwarzweißfotografie und den pfiffigen Effekten fasziniert Benjamin Dickinson mit seinem Science-Fiction-Thriller 'Creative Control'. stellt sich geschickt eine technologie-dominierte Gesellschaft vor, die gleich um die Ecke ist. Aber die Einzelheiten der Handlung, in der der in Brooklyn ansässige Entwickler neuer Augmented-Reality-Brillen den Kontakt mit der Welt um ihn herum verliert, verleihen dem Ziel seiner Kritik eine scharfe zeitgenössische Note. Unabhängig vom Genie der neuen Technologien, so argumentiert der Film, unterliegt jedes schicke neue Werkzeug menschlichen Schwächen. Es ist zugleich jenseitig und vertraut - eine futuristische Satire, die von unmittelbarer Relevanz ist.
4. 'Jeder will etwas !!'
'Jeder will etwas !!'
Richard Linklaters Filme sind mit energetischen Beobachtungen in kleinen Dosen gefüllt. Dichtes philosophisches Geschwafel umgibt die leiseste Handlung; eine ungezwungene Atmosphäre trifft auf Existentialismus. Während seit Ewigkeiten als “; geistige Fortsetzung ”; zu seinem Highschool-Klassiker aus den Siebzigern “; Benommen und verwirrt ”; - und nur ein paar Jahre später eingestellt - die College-Baseball-Komödie “; Jeder will etwas !! ”; enthält viele der besten Zutaten, die Linklater in seiner Karriere gefunden hat: Eine unbeschwerte Lebenseinstellung gepaart mit schlaueren Beobachtungen über seine tieferen Geheimnisse.
Wie bei seinem Kehren “; Bevor ”; Trilogie und der ehrgeizige 12-jährige Produktionszyklus von “; Boyhood ”; Der neue Film spielt auch geschickt mit der Zeit. Drei Tage harte Party-Possen in etwas weniger als zwei Stunden zu stopfen, “; Jeder will etwas !! ”; Entfaltet sich in den letzten Sommertagen an einem kleinen texanischen College, in dem die Verantwortung des Erwachsenenalters nur außerhalb des Rahmens liegt. Ebenso charmant und weise, “; Jeder will etwas !! ”; verkörpert die einzigartige Fähigkeit von Linklater, menschliches Verhalten mit Leichtigkeit zu verstärken. Es gibt nichts Auffälliges an diesem Film, aber das ist die Brillanz davon. Das Leben schleicht sich an dich heran, und Richard Linklater Filme auch.
3. Weiner
Anthony Weiner und Huma Abedin in „Weiner“
Sundance wählt aus
Es begann als tragische Farce; Im Laufe des Jahres 2016 wurde „Weiner“ zu einem alarmierenden Blick in die Welt des Trottels, der uns möglicherweise unsere Demokratie gekostet hat. Weiner wurde während seines katastrophalen New Yorker Bürgermeisterfeldzugs aus offensichtlichen Gründen zu einem nationalen Witz. Aber die Öffentlichkeit konnte das Chaos der Weiner-Kampagne nicht sehen, als der Politiker einer der größten öffentlichen Demütigungen in der jüngeren Geschichte gegenüberstand. “; Weiner, ”; Der Gewinner des Grand Jury-Preises beim diesjährigen Sundance Film Festival zieht den Schleier zurück und enthüllt eine der großen Farcen der modernen Kampagnengeschichte (zumindest vor der aktuellen Präsidentensaison).
Unter der Regie des ehemaligen Weiner-Stabschefs Josh Kriegman mit Elyse Steinberg werden Weiner und seine bedrängte Frau, Hillary Clinton-Beraterin Huma Abedin, durch eine Reihe erschütternder Umstände gefangen genommen, während die Medien ständig nach den Nöten der Familie suchen. Weiners Scheidung von Abedin während des Sommers mitten in Clintons Wahlkampf verschärfte nur die Filmszenen des Paares. Als FBI-Direktor James Comey später verriet, dass er sich mit Weiners Austausch mit einem Teenager befasste, wurde die Relevanz des Dokumentarfilms noch deutlicher.
Wenn man all das beiseite lässt, führt der Versuch von Weiner, gegen unmögliche Widrigkeiten voranzukommen, zu einem spektakulären, unterhaltsamen Blick auf die Probleme der modernen Berühmtheit und die Hybris, die mit der Machtjagd in der politischen Arena verbunden ist. Einerseits ist “; Weiner ”; ist ein erstklassiges Kino, das die ständige Demütigung und die absurde Investition seines Themas in seine Kampagne gegen unmögliche Widrigkeiten mit auffälligen Details einfängt, auch wenn das Chaos um seinen Sturz die Besessenheit der Medien über seinen Skandal anzeigt. Gleichzeitig ist es eine ausgelassene redaktionelle Karikatur über den Wahnsinn eines auf Selbstzerstörung ausgerichteten Systems. Und jetzt, da Weiner in Vergessenheit gerät, müssen wir in seinem Chaos leben.
2. 'Jackie'
'Jackie'
Pablo Larraíns Porträt von Jackie Kennedys Versuch, die Kontrolle über das Chaos nach der Ermordung ihres Mannes zu erringen, ist zu gleichen Teilen ein Psychothriller und eine historische Untersuchung. Der atmosphärische Aufbau des Films, der von Natalie Portman in einer Karrierebeste verankert wurde, durchdringt die Natur des öffentlichen Lebens und der politischen Machenschaften.
Noah Oppenheims Drehbuch umrahmt die angespannten Tage, in denen Jackie die Beerdigung ihres Mannes plant, und Larrains Kamera bleibt nah an seinem Motiv und zwingt den Betrachter, in ihrer komplizierten Denkweise zu schweben. Egal wie sehr sie versucht, ihre Trauer zu schützen, die Welt schwärmt herein. 'Es ist keine Geschichte, wenn es nicht aufgeschrieben ist.' sagt sie einem Reporter, der sie an jeder Ecke anstachelt. Diese Behauptung ist das größte Ziel des Kinos von Larraín: In welchem Verhältnis stehen wir zur Vergangenheit - und wie ändern wir sie, um unsere heutigen Erwartungen zu erfüllen? Da sich Fakten und Fiktionen mit den Verschwörungstheorien des Message Boards und den reduzierenden sozialen Medien, die unser Informationszeitalter bestimmen, vermischen, könnten Larrains Filme zu keinem besseren Zeitpunkt gelangen. 'Jackie' festigt ihre Anziehungskraft.
1. 'Mondschein'
'Mondlicht'
Mit freundlicher Genehmigung von Colour Collective und A24
Barry Jenkins lange überfällige Nachfolge von 'Medicine for Melancholy' ist eine tiefe Tragödie, die auf den ersten Blick erzählt wird. Reich an eindrucksvollen Bildern und zärtlichem Austausch ist die Behandlung von Tarrell Alvin McCraney durch den Filmemacher 'In Moonlight Black Boys Look Blue'. ist ein wunderschönes Drama, das es schafft, sowohl episch als auch untertrieben zu sein.
“; Mondschein ”; erforscht die Notlage eines jungen schwarzen Mannes in drei Epochen, sucht seinen Platz in der Welt und kämpft mit seiner schwulen Identität unter den Lasten der Klasse und einer zerbrochenen Familie. Die Macht der Geschichte kommt von den Lücken zwischen den Wörtern - und einem andauernden Kampf, um die richtigen zu finden. Es ist ein erstaunliches Stimmungsbild über die Art, auf vielen Ebenen gleichzeitig an den Rand gedrängt zu werden.
Die Geschichte des jungen Chiron, der erwachsen wird und die Gelegenheit verpasst, ein befriedigendes Leben zu finden, wird immer verzweifelter, bis der Junge schließlich ein Mann wird und einen letzten Versuch unternimmt, die Dinge in Ordnung zu bringen. Trotz des düsteren Tons ist es ein Hoffnungsschimmer für die Aussichten, das Wort zu ergreifen - und beendete das Jahr, indem es seine instabile Stimmung verkörpert. Egal wie genau die Einstellung ist, der Ton von „Moonlight“ spiegelt eine Mischung aus Verzweiflung und Sehnsucht wider, die unsere schwierigen Zeiten definiert.
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