5 Filme über die Beziehung zwischen Mutter und Tochter
Von deiner Mutter befohlen zu werden, „in deinen Schrank zu gehen und zu beten ”; ist hoffentlich keine Erziehungstechnik, mit der zu viele von uns Erfahrungen aus erster Hand gemacht haben. Aber hoffentlich sind auch nur wenige von uns übernatürlich veranlagte telekinetische Teenager-Opfer von sozialer Ausgrenzung und Mobbing. Diese Woche “;Carrie”; wird veröffentlicht, das Remake des Brian de Palma eiskalter Klassiker oder die Überarbeitung von Stephen King’; s beliebter Bestseller, wie auch immer Sie ihn ansehen. Und in der Tat, wie auch immer Sie anfänglich darauf gekommen sind, es ist eine Geschichte, die Ihnen wahrscheinlich bekannt ist, und ihre Schweineblut-am-Abschlussball-Szene bietet einige der kultigsten Horrorbilder in der Populärkultur.
Die Geschichte des plötzlichen, zerstörerischen Einsatzes ihrer Kräfte durch Carrie White ist jedoch weitaus weniger unheimlich und unerklärlich, wenn auch nicht weniger beängstigend - ihre völlig beschissene Beziehung zu ihrer Mutter, gespielt 1976 von Piper Laurie und in der neuen Version von Julianne Moore. Böse Mütter standen im Mittelpunkt von zwei unserer vorherigen Beiträge (hier und hier). Obwohl es natürlich einige Überkreuzungen gibt, haben wir uns diesmal dafür entschieden, Filme herauszustellen, die sich speziell mit Müttern und Töchtern und den seltsam heißen Häusern befassen , vergrößerte und manchmal verzerrte Beziehungen, die zwischen ihnen entstehen können. Es ist ein faszinierendes, fruchtbares Gebiet, und es gibt eine riesige Menge an Belletristik, die der Navigation gewidmet ist. Hier sind jedoch fünf besonders interessante Filme für jeden, der jemals eine Tochter war, oder für jeden, der jemals eine Mutter hatte.
“;Herbstsonate”; (1978)
Es ist schwierig, den genauen Zeitpunkt zu ermitteln Ingmar Bergman'S'Herbstsonate'Fängt an, dein Herz zu brechen (wir werden vorschlagen, dass es ungefähr 5 Minuten dauert oder kurz nachdem der Vorspann verblasst ist), aber sobald es anfängt, hört es nie auf und wird dich in den letzten Zügen zurücklassen. Die äußerst erbitterte, verheerend wahre Geschichte eines einzigen Tages und einer einzigen Nacht, in der Charlotte (Ingrid Bergman) eine renommierte Konzertpianistin, kommt zu ihrer Tochter Eva (Liv Ullman), nimmt der Film eine verknöcherte Mutter-Tochter-Beziehung auf und zeigt mit ein paar kurzen Schnitten aus Bergmans skalpellscharfem Dialog schmerzhaft all seine Schuld, Vernachlässigung, Selbstsucht und Verdrängung. Charlotte hat ihre Tochter Eva seit sieben Jahren nicht mehr gesehen. Während dieser Zeit hat Eva den leise ergebenen Minister Viktor geheiratet und den Tod ihres kleinen Jungen erlitten, den Charlotte anscheinend nie kennengelernt hat. Wir haben den Eindruck, dass Eva in dieser Zeit häufig an ihre Mutter geschrieben hat, aber Charlotte hat es oft versäumt, die Briefe vollständig zu lesen. Sie ist in ein glamouröseres Leben mit Weltreisen, Karriereerfolg und Liebesbeziehungen verwickelt. Nach dem Tod ihrer langjährigen Begleiterin kommt Charlotte schließlich zu Besuch, um zu ihrem unverhüllten Entsetzen festzustellen, dass Helena, ihre andere Tochter, die aufgrund einer degenerativen Krankheit verkrüppelt und fast nicht in der Lage ist zu sprechen, mit Eva zusammenlebt, die sie mitgenommen hat aus dem Haus, in das Charlotte sie gebracht hatte.
Bergman wendet bestimmte narrative Tricks an, zum Beispiel, dass Viktor die Kamera direkt anspricht, Charlotte mit sich selbst spricht und in einem besonders bösartigen Moment zwischen Evas Ausweidung ihrer Mutter und Helena, die sich gewaltsam aus ihrem Bett wirft und herüber kriecht, einen Querschnitt macht der Boden in klarer, lautstarker Bedrängnis: Wie können die Frauen, besonders die fürsorgliche, aufmerksame Eva, sie nicht hören? Aber die Wirkung dieser Momente ist niemals trickreich, sondern verleiht der Intensität des emotionalen Tauziehens zwischen den Frauen Tiefe und Reichtum an Anspielungen und gelegentlich sogar eine Erleichterung. Beides kann ungeheuerlich sein, aber es ist auch kein Monster, und die Geschwindigkeit, mit der unser Mitgefühl manchmal von einem zum anderen schwingt, droht mit Peitschenhieben, wobei fast jeder Moment der Gnade und Erlösung durch einen Blick oder einen beiläufigen Abwurf sofort untergraben wird Kommentar von so reiner Bosheit, dass man zusammenzuckt und umgekehrt. Bergman soll 1995 gesagt haben, ich sei sehr verliebt in meine Mutter. Sie war eine sehr warme und sehr kalte Frau. Wenn sie warm war, versuchte ich, näher zu ihr zu kommen. Aber sie könnte sehr kalt sein und ablehnen, ’; ’; Es ist klar, welche persönliche Resonanz diese Geschichte für ihn hat. Und doch ist das vielleicht Bemerkenswerteste an diesem bemerkenswertesten Film das gleichmäßige Verständnis (wenn nicht notwendigerweise Mitgefühl), für das wir uns abfinden beide Zeichen, bis zum Ende. Diese gestochen scharfen Porträts von Charlotte und Eva als vollständig gerundete, sich widersprechende Individuen, die sich untrennbar in der Umlaufbahn des anderen befinden, machen den Film so ewig: Sie unterscheiden sich in jeder Hinsicht voneinander, sind aber durch verbundene Geschichten und miteinander verbunden ein paar hartnäckige DNA-Stränge. Wir nicht immer mögen die Familie, die wir lieben müssen, und 'Herbstsonate' verkörpert diese Wahrheit mit makelloser Klarheit.
“;Nachahmung des Lebens”; (1959)
Nicht genug Taschentücher im Universum für dieses ...Douglas Circus’; s unglaublich manipulativ und üppig “; gibt Film ”; ist ein außergewöhnliches Beispiel für einen Film, der sein Genre (das 'Frauenbild') so vollständig definiert, dass er es praktisch übersteigt. Natürlich wurde Sirk in den letzten Jahren gründlich und zu Recht als absoluter Meister der Form zurückerobert (unsere Sirk Essentials finden Sie hier), indem er ein sirupartiges Melodram mit ehrlicher Gefühlstiefe in sich vereint und alles in solch schillernde, gekonnte Technicolor-Fotografie kleidet, dass seine filme werden so viel mehr als die maudlin, schokoladenkartons, als die sie anfänglich abgetan wurden. Und “;Nachahmung des Lebens,”; Das letzte Hollywood-Bild des Regisseurs ist mit Sicherheit eines seiner Meisterwerke und passt genau zu unseren Zielen. Es behandelt nicht nur eine, sondern zwei Mutter-Tochter-Beziehungen als zentrale Themen, verwendet sie jedoch, um Gender- und Rassenprobleme in einer bemerkenswert furchtlosen und ungewöhnlichen Weise hervorzuheben sicherlich zu der Zeit, provokative Art und Weise.
Die kämpfende Schauspielerin Lora Meredith (Lana Turner) trifft obdachlose, mittellose Annie Johnson (Juanita Moore) eines Tages am Strand, als ihre Töchter Susie und Sarah Jane weglaufen, um zusammen zu spielen. Obwohl die Zeiten rundum hart sind, entsteht eine unmittelbare Bindung zwischen den Frauen über die Rassengrenzen hinweg (tatsächlich ist eine alternative Lektüre des Films beinahe eine Liebesgeschichte zwischen diesen beiden), und Lora bietet Mutter und Tochter eine Bleibe die Nacht. Es ist eine Vereinbarung, die langfristig wird, wobei Annie schließlich (freiwillig) eine Art Haushälterin-Rolle einnimmt, während Lora ihre Karriere fortsetzt. Sirk verlagerte jedoch den Fokus des Jahres 1934 Claudette Colbert- Der gleichnamige Film dreht sich mehr um die Töchter, und so lernen wir Susie kennen, die süße, blonde Tochter von Lora, deren größter Streit mit ihrer Mutter die gütige Vernachlässigung ist, die sie erleidet, wenn die ehrgeizige Lora größer wird gefragt. Und Sarah Jane, ein kompliziertes, oft ärgerliches junges Mädchen, dessen helle Haut es ihr erlaubt, für Weiß zu gelten (womit sie sich verzweifelt identifiziert), aber nur auf Kosten der Ablehnung und Zurückweisung ihrer zutiefst geliebten Mutter Annie. Die kindlichen Beziehungen werden im Laufe des Films immer zentraler, und die zweite Hälfte widmet sich hauptsächlich den mütterlichen Themen: Susie verliebt sich unweigerlich in den Freund ihrer Mutter (der außergewöhnlich gutaussehende) John Gavin), während Sarah Jane wilder wird und schließlich als Burlesque-Tänzerin davonläuft, ihren Namen ändert und alle Verbindungen zu ihrer herzzerreißenden, heiligen Mutter leugnet.
Die Heiligung von Annie als zentraler schwarzer Charakter des Films ist natürlich problematisch, aber die Hassbarkeit von Sarah Jane, die ihren eigenen Selbsthass und ihre gesellschaftlich vorgeschriebene Schande über ihr schwarzes Erbe widerspiegelt, ist unglaublich gewichtiges Thema, mit dem man sich so offen auseinandersetzen muss. Aber Sirk hört hier nicht auf und zeigt Lora in ihren Klassenkommentaren und ihrer sympathischen Darstellung von Unabhängigkeit und Ehrgeiz (für die sie sicherlich in einem anderen Film bestraft würde). Es ist ein berauschendes, effektvolles und üppig gestaltetes Buffet (Turner's Kostümbudget war zum Beispiel das höchste, das jemals für ein Bild zu diesem Zeitpunkt gemacht wurde), das von einem außergewöhnlichen abgerundet wurde Mahalia Jackson Eine Evangeliumsaufführung, die Sie garantiert unter Tränen sehen werden.
“;Dreizehn”; (2003)
Während wir mit dem fast universellen Lob und der Anerkennung, auf die man gehäuft war, definitiv nicht Schritt halten können Catherine Hardwicke’; s Regiedebüt, es ist nicht zu leugnen, dass es sich um einen Film handelt, in dessen Mittelpunkt eine durcheinandergebrachte Beziehung zwischen Mutter und Tochter steht. Die rasante Entwicklung des zentralen Charakters, die unerträgliche, selbstverantwortliche 13-jährige Tracy, die sich von einem glücklichen, gesunden Tween zu einem peitschenden, promiskuitiven, selbstverletzenden, wilden Kind entwickelt, ist die unbestreitbare Loyalität des Films gegenüber der Gültigkeit von Ihre Ansicht ist für unser Geld das größte Manko: Hardwicke spielt es mit all der Musikvideo-Oberflächlichkeit und der schwindelerregenden Histrionik aus, die ein selbstgenügsamer Teenager in der Tat zeigen könnte, was zweifellos Teil des Punktes ist, aber es tut einen Film hervorbringen, der wie sein zentraler Protagonist nur die gesamte Laufzeit damit verbringt, zu schlagen. Es hat jedoch eine interessante Facette in der Beziehung zwischen Tracy (Evan Rachel Wood) und ihre Mutter Melanie (Holly Hunter) und die Art und Weise, in der Tracy 's turbulentes Heranwachsen tatsächlich das figurative Heranwachsen ihrer Mutter kennzeichnet. Was hier entscheidend ist, ist die Charakterisierung von Melanie: eine junge Mutter und eine finanziell unsichere Alkoholikerin mit unkonventionellen Neigungen, die eine Beziehung zu Tracy hat, die eher einer Freundschaft als einer Beziehung zwischen Mutter und Tochter ähnelt. Und so können einige von Melanies anfänglicher Untätigkeit angesichts von Tracys verändertem Verhalten auf diese freigeistige Tendenz zurückgeführt werden. Was jedoch tatsächlich passiert, ist, dass der Lichtschalterwechsel in Tracy zeigt, dass Melanie weniger jung ist als unreif und erschreckend schlecht gerüstet, um die plötzlichen Exzesse ihrer Tochter einzudämmen.
Tracy ist ein gutes Mädchen, an der Schwelle zu “; dieser schwierigen Zeit ”; wer merkt plötzlich die andere (dh provokantere) Art und Weise, wie die beliebten Mädchen in der Schule sich kleiden und reden und handeln. Ihre Mutter zu zwingen, ihr enge Jeans und ein süßes Oberteil zu kaufen. Trikot, Tracy verfolgt eine Freundschaft mit Bienenkönigin Evie Zamora (Nikki Reed, hier als Mitautor anerkannt, auf dessen Erlebnissen der Film angeblich lose basiert), der Tracy in ein rauchendes, geldbörsenraubendes, finsteres böses Mädchen und darüber hinaus verwandelt. Ein Zyklus von Drogen- und Sex-One-Upmanship zwischen Tracy und Evie beginnt auf diese besonders wettbewerbsorientierte Art und Weise, wie Melanie eine romantische Beziehung zu einem Ex-Junkie wieder aufbaut (Jeremy Sisto). Irgendwann zeigt sich jedoch, wie unbeständig die Beziehung zwischen den Mädchen ist, und die eskalierende Kriminalität, die fehlgeschlagenen Noten und die selbstzerstörerischen Tendenzen von Tracy zwingen zu einer kathartischen, aber emotional verheerenden Konfrontation mit Melanie. Abgesehen von unseren Problemen mit dem Film (und sie sind unzählig, falls Sie es nicht bemerkt haben), kann es zumindest gelobt werden, wenn versucht wird, diese oftmals traumatische Phase im Leben eines Mädchens darzustellen, wenn es von der Kindheit an einen Gang wechselt bis ins Erwachsenenalter, und wenn sie paradoxerweise anfängt, ihre Mutter genau an dem Punkt abzulehnen, an dem sie sie am meisten braucht. “; Dreizehn ”; leistet einen anständigen Job darin, den Geist eines betrübten Mädchens im Teenageralter zu bewohnen, aber ob dies ein Ort ist, den Sie zu jeder Zeit verbringen möchten, ist eine andere Frage.
“;Mama Liebste”; (1981)
Verrückte, sogar missbräuchliche Mutter-Tochter-Beziehungen sind in Hollywood nicht ganz neu, wie aus dieser Liste und mehreren anderen Filmbeispielen hervorgeht (hier sind fünf schreckliche Filmmütter, die wir in der Vergangenheit behandelt haben, und weitere fünf, um zu starten) der denkwürdigste und grenzwertigste Grand Guignol ist “;Mama Liebste, ' Frank Perry1981 Drama über die Schauspielerin Joan Crawford und ihre Tochter Christina (auch wenn es letztendlich nicht so erfolgreich ist). Basierend auf Christina Crawfords skandalöser Autobiografie von 1978 mit dem gleichen Namen - einer der berüchtigtsten Hollywood-Verräter, die jede Menge saftigen Dreck bringen sollen - spielen die Filmstars die Hauptrolle Faye Dunaway als Crawford und Mara Hobel und Diana Scarwid als die jüngere und ältere Version von Christina. Der Film (wie das Exposé), der in jungen Jahren von Crawford adoptiert wurde, behauptet, der Diva-Filmstar sei eine schamlos werbegierige, dominierende, hyperkontrollierende und körperlich missbräuchliche Mutter, die das Kind für selbstsüchtige Angelegenheiten der Einsamkeit aufnahm (und vorschlägt) Vielleicht hat sie es auch getan, um Presse zu bekommen. Der berüchtigte “; Drahtbügel ”; Die Szene, in der Joan ihre Tochter schlägt, weil sie die Kühnheit hat, teure Kleidung an billige Drahtbügel aufzuhängen, ist sowohl aufrichtig verstörend als auch komisch (obwohl sie offensichtlich nicht lustig sein soll). Es gibt eine Menge Histrionics - 'Nicht mit mir ficken, Leute!' Eine für die Ewigkeit lächerliche Linie zu sein - und das funktioniert nicht immer, aber Dunaway spielt einen überzeugenden und eher unsicheren und unruhigen Filmstar, dessen Eitelkeit und Bedürfnis nach Aufmerksamkeit ein giftiges Nebenprodukt ihrer Branche ist.
Der junge Crawford (und ihr Bruder Christopher) wurden bekanntermaßen aus Joan´s Testament herausgelassen 'aus Gründen, die ihnen wohl bekannt sind, ”; und es wurde von mehreren Branchenexperten spekuliert, dieser Akt der elterlichen Ablehnung aus dem Grab war das, was Christina Buch und nicht tatsächlichen Missbrauch inspirierte. Aber auch 30 Jahre später behauptet der überlebende Crawford, dass alles wahr ist. “; Ich kann Ihnen nicht sagen, wie oft mir persönlich und mit Briefen gesagt wurde, dass die Leute beim Lesen des Buches zum ersten Mal merkten, dass sie nicht alleine waren, ”; sie sagte in einem Interview 2013.
Vielleicht fällt das makabre Horror-Melodrama dahinter Robert Aldrich vervollkommnet mit dem schön verdrehten twofer von “;Was ist je mit Baby Jane passiert?”; (1962) und “;Still, still, süße Charlotte, ”; (Perry ist leider kein Autor dieses Ranges, obwohl er 1962 für den bereits vergessenen “;David und Lisa”;) kommt es dank Dunaways Opern-Pleite-Performance sehr nahe. Vielleicht, weil es ein Drama sein sollte, passt es nicht zur Aldrich-Groteske alternder Stars, die wir so lieben, aber wir wünschen uns wirklich DP Paul Lohmann hätte das Bild sogar mit einer leichten gruseligen Kante beleuchtet, anstatt seiner fast TV-Flachheit. Und darin vielleicht der fatale Fehler von 'Mommie Dearest'. es ist melodramatisch, schrill und übertrieben, aber es hat kein wirkliches Gespür für Lager oder Sinn für schlauen Humor. Es nimmt sich selbst tödlich ernst (was es oft ungewollt lustig macht) und ist einfach nicht sehr kunstvoll. Kritiker schwenkten es zu der Zeit (Roger Ebert sagte in seiner Kritik: 'Ich kann mir nicht vorstellen, wer sich diesem Film unterziehen möchte.' ist ein Kultklassiker geworden, aber abgesehen von “; Dreizehn ”; es ist leicht der schwächste Film auf dieser Liste (amüsant genug) Paramount wechselte den Gang in der Vermarktung und nahm die Ironie an, als sie entdeckte, dass das Publikum ungewollt lustige Momente erlebte. Trotzdem gibt es Freuden in der Aufführung, nur weil sie schiere Szenen kaut und was köstliche Darstellungen monströser, aber verletzlicher Mütter betrifft, könnte man als Joan Crawford viel Schlimmeres tun als Dunaway. Das letzte Wort von Christina? “; Es ist kein sehr guter Film. ”;
“;Postkarten vom Rand”; (1990)
Mike Nichols’; Anpassung von Carrie Fisher’; s Drehbuch (basierend auf ihrem gleichnamigen Buch, das wiederum lose von ihrem eigenen Leben mit ihrer berühmten Mutter inspiriert wurde) Debbie Reynolds) ist ein Film, der sich etwas unmodern anfühlt, aber wahrscheinlich reif für eine Wiederentdeckung ist. Mit der typischen komödiantischen Nuance und Sympathie von Nichols inszeniert, ist es natürlich auch ein hervorragendes Schaufenster für seine Interpreten mit Meryl Streep eine Oscar-Nominierung erhalten, aber Shirley MacLaine Vielleicht sogar die Show stehlen, zumindest laut unserer jüngsten Neuuhr. Sie spielen die Tochter und Mutter Suzanne Vale und Doris Mann, beide Schauspielerinnen, wobei Vale (Streep) ihren Karriereschritt nur sehr knapp macht, während Mann ein echter Old-School-Star ist, mit all den dazugehörigen Publicity-, Reichtums- und Tribute-Drag-Acts das kommt damit. Die Widersprüchlichkeit ihrer Beziehung wird durch die Tatsache verstärkt, dass sie beide denselben Beruf ausüben und dass dieser Beruf selbst ein ungewöhnlich hohes Maß an Drama und Volatilität bei den Praktikern hervorruft (Sie können sich nicht vorstellen, dass es sich um denselben Widerspruch handelt) Strömungen von Eifersucht, Eitelkeit und Alterismus fließen beispielsweise durch einen Film über Zahnarzthelferinnen von Mutter und Tochter. Der Film ist aber auch bemerkenswert für die wahre Wärme, die zwischen den Frauen besteht, obwohl ihre Beziehung zerbrochen ist und zerbrechlich sein kann: Suzannes Freude über die Showboating-Leistung ihrer Mutter bei der unaufgeforderten Post-Reha-Party Doris wirft sie Das ist so aufrichtig wie ihre jahrhundertealte Wut darüber, wie Doris ihren Rock hochhob, um die Teilnehmer an Suzannes 17. Geburtstag zu überraschen ('IT TWIRLED UP!', knurrt ihre Mutter). Und letztendlich ist es ein hoffnungsvoller Film, in dem die Aufnahme in ein Krankenhauszimmer zu Annäherung und Vergebung führen kann und jeder lernen kann, trotz verworrener Geschichten, den anderen für die großartigen Missstände zu schätzen, die sie beide sind.
Der Film beginnt, als Suzanne während einer langen Einstellung eines Films, an dem sie für den Regisseur Lowell Kolcheck arbeitet, ein Wort aufwirbelt (bezeichnenderweise sagt sie 'Mummy' anstelle von 'Geld') (Gene Hackman), woraufhin Kolchek entdeckt, dass sie Drogen nimmt. Später Überdosierung während eines One-Night-Stand mit Jack Faulkner (Dennis Quaid), Suzanne wird von ihrer Mutter Doris in die Reha eingeliefert, wo sie (ohne allzu große Schwierigkeiten) sauber wird und versucht, wieder an die Arbeit zu gehen, nur um zu erfahren, dass sie nicht versicherbar ist, es sei denn, sie lebt bei einem verantwortlichen Elternteil dh ihre Mutter. Wir können dem Film verzeihen, dass er eher beschönigt ist, Sucht und Genesung in den Griff zu bekommen, weil er eigentlich nicht im Mittelpunkt steht. Stattdessen ist die Faszination der Geschichte auf den Liebes- und Abscheukampf zurückzuführen, der zwischen den beiden Frauen besteht. zu keinem Zeitpunkt wird vermutet, dass eines der beiden ein Monster für das andere war (im Gegensatz zu, sagen wir “;Mama Liebste”; das wird ausgerufen), aber auch keiner ist völlig untadelig. Und so funktioniert die Geschichte tatsächlich ziemlich gleichmäßig und liefert am Ende weniger eine Erzählung über die Überwindung von Hindernissen, um Erfolg zu haben, als eine zufriedenstellend ausgewogene und immer noch baseballlustige Geschichte der älteren Generation, die die Gnade erlernt, den Staffelstab zu geben. und die jüngere Generation lernt es anmutig zu akzeptieren.
Zusätzlich zu 'Coraline''Wertvoll'Und natürlich die erste'Carrie'Über die wir in ungefähr diesem Zusammenhang zuvor geschrieben haben (diese Links sind wieder hier und hier),'Mildred Pierce“Ist ein weiterer Film, den wir sehr lieben und der sich ganz und gar mit einer Mutter-Tochter-Bindung befasst Joan Crawford porträtiert die heroisch aufopfernde und unendlich liebende Mutter, bietet einen schönen Kontrapunkt zu “Mama Liebste, ”Oben (und die Todd Haynes Miniserie ist auch ziemlich fantastisch). “weißer Oleander'Ist ein weiteres Drama unter der Leitung eines weiblichen Ensembles, in dem eine harte Mutter kranke Nachkommen hervorbringt, während das Horror-Genre auch einige Beiträge lieferte.'Mama' und 'WaiseEinige der jüngsten Beispiele. Abgesehen davon gibt es viele, viele Filme, in denen eine beschissene mütterliche Beziehung zu einer Tochter eine Nebenhandlung ist, aber zwei, die wir als besonders denkwürdig empfanden, waren “Wild im Herzen“, Das zusätzliche Punkte für die Darstellung von Mutter und Tochter im richtigen Leben bringt Diane Ladd und Laura Dern, und Hitchcock'S frauenfeindliches, mutterhassendes Wunder “MarnieMit der einzigen Vorsicht, dass wir versucht haben, uns auf Filme zu konzentrieren, in denen sowohl Mutter als auch Tochter eine vollständige Figur haben (im Gegensatz dazu, dass die Tochter beispielsweise ein Baby oder ein kleines Kind ist), können wir alle Electra-Komplexe auf uns wirken lassen und schreien Finden Sie Ihre Favoriten heraus, die wir unten vermisst haben. - mit Beiträgen von Rodrigo Perez
